современный человек на rendez-vous. Волковский фестиваль. современный человек на rendez-vous Волковский фестиваль сентябрь

Афиша XVIII Международного Волковского фестиваля, закончившегося в минувшее воскресенье в Ярославле, оставила противоречивое впечатление.

Международную составляющую фестивалю обеспечили достаточно спорного качества спектакли из Болгарии и Сербии. Если честно, то в данный исторический момент это напоминает советский принцип, когда за «дружбу народов» отвечал исключительно восточный лагерь. Вторая важная составляющая — присутствие в программе лауреатов Премии им. Ф. Волкова, премии Правительства РФ, а значит, качество спектаклей театров-лауреатов всякий раз разное. В этом году лауреатами стали Борис Гранатов — худрук Вологодского театра для детей и молодежи, показавшего «Утиную охоту», Татарский академический театр им. Г. Камала (Казань) со спектаклем «Банкрот» (режиссер Фарид Бикчантаев) и Театр кукол Республики Карелия, показавший «золотомасочное» «Железо» (режиссер Борис Константинов). Присутствие в афише «статусных» спектаклей с репутацией и солидным бэкграундом театральных премий или хотя бы номинаций — еще один программный момент. Так, на других фестивалях засветились, например, «Железо» (лауреат «Золотой Маски» и участник множества фестивалей театров кукол) или «Пустота» Тверского ТЮЗа (и театр, и режиссер Талгат Баталов побывали в номинантах «Золотой Маски»).

Можно поставить фестивалю в упрек, что он не совершает открытий, привозя спектакли солидные, с проверенной репутацией. А можно порадоваться за ярославских зрителей, которым обеспечили крепкую и разнообразную афишу.

Арт-директор Татьяна Цветкова меньше года назад пришла в Первый Русский из Тверского ТЮЗа, освежив афишу фестиваля и создав противовес спектаклям-мэтрам приглашением комиссара Всеволода Лисовского, переделавшего свой иммерсивный проект «Неявные воздействия» под местный ярославский «специфик». Так что можно сказать, что ярославские зрители, месившие поздним вечером под дождем в подворотнях и переулках родную почву, дебютировали в новом для себя качестве. Очевидно, что фестиваль, несколько раз за последние годы поменявший (а то и не имевший) арт-директора, находится в переходном состоянии, и будем надеяться, что художественные сюрпризы — дело ближайшего будущего.

«Пустота».
Фото — архив театра.

«Пустота» по пьесе М. Черныша — по-своему уникальный случай адаптации современной пьесы к большой сцене. В спектакле Баталова действует своего рода офисный хор (действие происходит в одном из главных офисов в центре Москвы) в черно-белой брючно-пиджачной униформе. Среди фигурантов постепенно выделяются протагонисты. Пиарщица Марина, секретарша Светка, топ-менеджер Дима и его институтские друзья, а также прочие их сожители и любовники.

Куда бы ни перемещалось действие — в съемную квартиру в Алтуфьево, элитный ресторан или придорожный шалман на трассе Москва — Тверь, — герои не покидают стерильного выхолощенного пространства со множеством дверей, вроде бы сулящих разные выходы и вариации жизни. У спектакля стильная анимационная графика, хороший свет, но актерам не дается тот четкий графический стиль существования, который был задан режиссером. Многим, думаю, исходя из их профессионального опыта, было трудно выдержать и разделить холодный, дистанцированный, ироничный взгляд режиссера на проблемы героев, и поэтому артисты сочувственно играют маленьких людей с понятными всем проблемами, от этого форма «плывет», начинает вибрировать.

Остроумная находка: режиссер разворачивает и овеществляет мечты и внутренние монологи персонажей в том самом интимном пространстве, где офисный человек может остаться наедине с самим собой, — в кабинках служебного туалета, обрамляющих портал сцены, озвучивает «сортирные» мечты сливом воды в бачке. Здесь, например, Светка на новенькой машине под Enya плывет в городских пробках, показывая направо и налево «факи». Светом выделены и отделены моменты внутренней жизни персонажей. Впрочем, иногда достаточно трудно различить, где явь, а где иллюзия, и режиссер играет на этом, как бы не вполне доверяя драматургу и тому личному «счастью», которое в финале выпадает на долю Светки, сея сомнения в правдоподобии этого финала, да и вообще в том, что подобный консюмеристский рай можно назвать счастьем.

Предопределенность, наверное, главное, главная проблема, сформулированная спектаклем. Каждый живет и действует по своей заданной «программе». И даже временно отклоняясь от траектории, все равно возвращается к удобным параметрам и настройкам.

Организаторы фестиваля отошли от принципа «Русская драматургия на языках мира», провозглашенного несколько лет назад. Так, например, Белградский драматический театр показал «Мое дитя», современного сербского автора C. Срдича из жизни люмпенизированных городских низов. По правде говоря, не лучшего качества. Душераздирающую историю цыганской семьи развернули на практически пустой сцене (спектакль явно пережил перенос из более камерного пространства), где абсолютно потерялись такие, с позволения сказать, элементы сценографии, как гора игрушек, куча тряпья и вертикально подвешенный ковер из ближайшего супермаркета, за которым родной дядя, поднабравшись пивка, вершит насилие над 10-летней девочкой Ранкой. При этом нам приходится как-то адаптироваться к тому, что ребенка, прибегая к приемам травести, играет вполне половозрелая актриса. А другая половозрелая актриса добрых 15 минут таскает на руках свою «малышку». Конечно, «Мое дитя» — наивный тип театра, с «натуральной» игрой актеров, среди которых я бы отметила исполнительницу роли матери, которая существует с самоотдачей, подключается к своей героине. Злодейство эмоционально гипертрофировано, как и материнское горе, жертвенность и финальное раскаяние злодея, заливающегося слезами и раздирающего майку на груди.

В мелодраматический сюжет введена остросоциальная линия, которая работает на узнавание. Оказывается, проблемы у наших социумов сходные. Государство и его институции (органы опеки, следствие, медицина, суд) в общем если не враждебны, то безразличны к бедам маленького, частного человека. А страдают самые бесправные — женщины и дети.

«Калигула».
Фото — Т. Кучарина.

Внутреннему ярославскому «пользователю», безусловно, по душе пришлись крепкие постановки вроде Евгения Писарева или эффектной рок-драмы Бориса Мильграма «Калигула», скорее, шоу — с великолепно поставленным светом, вышколенной массовкой, музыкантами, поднимающимися на платформе, как из преисподней, и героем-харизматиком в центре. Альберт Макаров вообще редкий случай антигероя с отрицательным обаянием, чей герой с пустыми белыми глазами на бледном, будто покрытом холодной испариной лице, с легким оттенком патологичности, сразу покоряет зал. К спектаклю Мильграма, как и к качеству музыки, например, могут быть вкусовые вопросы. Конечно, под эффектным соусом из музыки, световой феерии, групповых мизансцен, красиво падающих занавесов смысл интеллектуальной драмы подрастерялся. Но Макаров уверенно ведет тему человека, столкнувшегося с небытием, для которого моментально все обесценилось, тему опустошенности.

Актер строит роль как цепочку вызовов, экспериментов над социумом, самоубийственных провокаций, которые он раз за разом бросает обществу, испытывая его терпение. Одной из самых эффектных сцен стала та, в которой Калигула, по мысли авторов спектакля разделивший страсть другого императора — Нерона — к театру, исполняет Casta Diva в костюме Венеры и в облаке кружащихся лепестков роз.

Другой харизматический герой — в центре «Банкрота» Фарида Бикчантаева, сделанного на стыке жанрового и авторского театров. Авантюрная комедия классика татарского театра Галиасгара Камала замечательна тем, что в ней преступление остается без наказания. А обаятельный мошенник выходит сухим из воды. Вторым планом прослеживается тема безотносительной свободы, раздвигающая довольно узкие рамки сюжета о том, как предприниматель Сиразетдин инсценирует дорожное ограбление, чтобы присвоить деньги своего же бизнеса.

Р. Бариев в сцене из спектакля «Банкрот».
Фото — Р. Якупов.

Тонкая игра Радика Бариева с его кошачьей грацией особенно хороша там, где герой притворяется сумасшедшим, ведет двойную игру, а сам зорко, но едва заметно следит за тем, что говорит и делает приехавшая инспектировать его помешательство комиссия. В какой-то момент за судьбу татарского Остапа Бендера начинаешь переживать, особенно когда домочадцы сажают распоясавшегося «безумца» в клетку. Но в финале клетка модифицируется в аэроплан, на котором герой благополучно улетает в так и не наступившее светлое будущее бизнеса и свободного предпринимательства.

Не менее самой истории в спектакле с его символами исторического прогресса (вроде настоящего трамвая на сцене и многочисленных колес и шестеренок) важен исторический фон — пошатнувшиеся устои традиционного татарского и нарождающиеся новые — капиталистического общества, изменившиеся соотношения в семье, где каждый себе на уме, не только главный герой. У каждого своя игра, свой тайный интерес. Так жена Гульджихан, озорно сыгранная Ляйсан Рахимовой, с замечательным лукавством и таким же простодушием изображает отчаяние от разлуки с мужем, а сама ждет не дождется его отъезда, чтоб зазвать подружек и закатить «девичник» во французском стиле.

В этом году в афише не оказалось спектакля хозяина фестиваля, принимающей стороны — Театра им. Ф. Волкова. Но был показан один из последних спектаклей его художественного руководителя — , поставленный в Театре Наций. Им Евгений Марчелли расследует свое любимое «дело», но «фигуранты» у этого дела новые, да и сам сюжет прирос новыми обстоятельствами.

Калинов здесь, конечно, — бабье царство, бабья стихия, разлитая буквально в воздухе. В подвешенном под углом по направлению к зрителям зеркале отражается бассейн, в котором плещутся три обнаженные русалки. Могу ошибаться, но все те же русалки появляются потом как свита Сумасшедшей барыни (Ольга Балашова в программке названа «певицей»). А в финале Сумасшедшая барыня, Глаша и Катерина образуют своего рода женскую Троицу, почти языческую икону, исполняя на три голоса «Рыбу моей мечты», главную песенную тему спектакля. Вообще, женщины спектакля — как серия зеркал, отражающихся друг в друге. Феклуша в исполнении Анны Галиновой, кстати, стала едва ли не центральным персонажем. Буквально юродивая, она заполняет собой все время и пространство спектакля. Необъятная, с всклокоченными рыжими волосами, в красном платье и каких-то шаманских бусах и ожерельях, она ходит неприкаянная, подсаживаясь и пристраиваясь к участникам диалога. Ее гонят, выпроваживают, а она возвращается вновь и вновь со своей тихой блажной улыбкой, как дух безумия, как знак беды, вечный третий лишний.

«Грозагроза».
Фото — Т. Кучарина.

Катерина Юлии Пересильд — сама русалка, глядит молчаливо своими прямыми и узкими глазами из-под платка, а на губах ее играет не сулящая ничего хорошего полуулыбка. Кажется, будто изловили эту русалку недобрые люди, нацепили по местной калиновской моде босоножки-копытца на иезуитски высоких каблуках, затворили тело в какое-то «монашеское» пальто. Все это она сорвет с себя достаточно быстро и будет метаться по сцене растрепанная, дикая, в одной только майке.

История о неупокоенной душе в спектакле Театра Наций выходит за узко гендерные рамки. Да, мужчины в спектакле какие-то лядащенькие — что деловитый, почти карлик Кудряш (Александр Якин), что единый, хоть и в двух лицах Тихон/Борис Павла Чинарева (один вечно избит, другой тайный садист), что Дикой Виталия Кищенко, который хоть мужчина и видный, а тоже слегка кликуша и шляется по ночам, неупокоенный, в одной майке.

Но проблема и беда вовсе не в них. Как и не в социуме. Как и не в чьей-то силе или слабости. У Марчелли нет никаких противопоставлений, нет конфликтов; насилие, которое вершат одни над другими, какой-то глубокой, иррациональной, не поддающейся удобным мотивациям природы. Можно сказать, что герои истязают себя и других сладострастно. Извините за пафос, но Марчелли в этом спектакле выходит на описание уже даже не женского — просто национального характера, которому непременно надо «приводить себя в состояние духа», чем, например, занимается раз за разом, по кругу, точно ритуал изгнания бесов производит, дико смешная и такая же жуткая Кабаниха Анастасии Светловой, кидающаяся на родню и заходящаяся в равно бешеном и показном кликушестве. Проделывает она это со вкусом и страстью к игре, чтобы, изойдя криком, выдохнуть «хорошо!» и повиснуть на руках каких-то приживал-юродивых, которых она называет своими деточками.

Страсть к разрушению, а еще важнее — к саморазрушению — у всех буквально в крови. От того нет никакой «грозы», нет никакой кары — герои Марчелли, что Кабанова, что Катерина, что Дикой, за гранью этического. Потому не гром гремит, а мучительная чесотка, внутренний зуд побуждает Катерину к признанию, которое происходит буквально встык, без перехода следует за сценой свидания.

Одна из самых смешных и буквально «больных» сцен спектакля — последнее свидание Катерины с Борисом, когда они показывают — теперь уже оба избитые — друг другу свои ссадины и синяки, как трофеи, как боевые ранения. Они и целоваться-то не могут — саднят разбитые рты. Отпуская беспомощного Бориса, Катерина отпускает себя — закольцованный бег по сцене, бег свободного, наконец, человека, вслед за которым только одно — естественное возвращение в родную водную стихию.

Как обычно говорят в таких случаях, спектакль, закрывший фестиваль, стал самым сильным его аккордом. Обозначил подспудно его тему – пьянящий воздух свободы, который наполняет легкие человека только на грани жизни и смерти.

В программу вошли лучшие постановки России. Разноплановость фестивальной афиши гарантирует, что каждый найдёт для себя интересный вариант для того, чтобы провести незабываемый вечер в театре!

Предлагаем вашему вниманию обзорную экскурсию по Волковскому фестивалю, чтобы ничего не пропустить!

Шуи Та (Мария Матвеева) и домовладелица Ми Тци (Анастасия Колпикова)

Открывать фестиваль будет Московский театр на Таганке, который представит свой легендарный спектакль «Добрый человек из Сезуана» Б. Брехта в постановке Юрия Любимова, с которого, собственно говоря, этот театр и начался. Эта постановка стала манифестом той уникальной эстетики, которую Юрий Петрович привнёс в мировое театральное искусство. Если вы искушённый театрал, вам нельзя не прикоснуться к этой легенде!

15 сентября будут представлены две постановки: культовая театральная площадка Москвы Театр.doc покажет спектакль «Неявные воздействия», адресованный тем, кто неравнодушен к современному искусству. Если вы готовы рисковать и выходить за рамки, то вам надо успеть купить билет, ведь площадкой для спектакля станет всё городское пространство!

В это же время на большой сцене театра Волкова будет показан спектакль «Утиная охота» А. Вампилова Вологодского Театра для детей и молодёжи в постановке Лауреата премии Правительства Российской Федерации имени Фёдора Волкова 2017, народного артиста России Бориса Гранатова. Тем, кто получает удовольствие от хорошей драматургии в сочетании с талантливой режиссурой – непременно сюда.

Так как Волковский фестиваль уже давно стал мультикультурным форумом, 16 сентября любители классической музыки смогут насладиться концертом Российского центра духовой музыки и Российского рогового оркестра.

17 сентября Московский театр Пушкина покажет «Дом, который построил Свифт» Г. Горина. Этот спектакль стал лауреатом премии «Хрустальная Турандот» в номинации «Лучшая режиссура» (Евгений Писарев) и Театральной премии "МК" в номинации «Лучший спектакль на большой сцене».

Девиз Волковского фестиваля – «Русская драматургия на языках мира», 18 сентября тем, кому интересна интерпретация русской классики – рекомендуем посетить спектакль «Вишнёвый сад» А. Чехова одного из лучших театров Болгарии – Плевненского драматическо-кукольного театра имени Ивана Радоева в формате средней сцены.

19 сентября мы ждём любителей ярких театральных впечатлений на рок-драме «Калигула» по пьесе А. Камю. Спектакль представит один из лучших театров России – Пермский академический «Театр-Театр», чьи постановки всегда становятся знаковым событием в театральной жизни страны.

Тем, кому театр интересен с точки зрения отражения современной жизни, кто с увлечением читал «Духless» Сергея Минаева и смотрел одноимённый фильм с Данилой Козловским в главной роли - рекомендуем посмотреть спектакль Тверского ТЮЗа «Пустота» М. Черныша, выдвинутый на соискание Национальной театральной премии «Золотая маска» 2017 в пяти номинациях. Герои спектакля - топ-менеджеры, мажоры, представители власти, научные сотрудники и обычные люди, такие, как экспедитор Миша, секретарша Света. Это макет современного общества с его фобиями и коммуникативными проблемами, возможность зрителю взглянуть на себя со стороны.

Историю об отношениях, полных веры, надежды, уважения и лёгкого недопонимания, рассказанную свидетелем этой истории - старым "Запорожцем", покажет лауреат премии «Золотая маска» 2017, лауреат премии Правительства Российской Федерации имени Фёдора Волкова 2017 – Театр кукол Республики Карелия. Не пропустите - «Железо» 21 сентября на сцене Театра Кукол.

22 сентября ещё один лауреат премии Волкова, Татарский академический театр имени Галиасгара Камала сыграет спектакль «Банкрот» в основе которого лежит непревзойденный шедевр классика национальной драматургии Г. Камала. Это постановка не только и не столько рассказ об одной счастливо обернувшейся афере, но о духе времени, о татарском ренессансе, который словно мощный гейзер вытолкнул на поверхность истории не только поэтов и мыслителей, ученых и художников, изобретателей и политиков, но и разношерстную толпу авантюристов и интриганов всех мастей. Спектакль вошел в лонг-лист Национальной театральной премии «Золотая Маска».

На следующий день вас ждёт встреча с современной сербской драматургией - Белградского драматического театра - в спектакле «Моё дитя». Постановка Анны Джорджевич (по произведению Стояна Срдича) получила множество национальных и международных наград, включая Ежегодную награду общества драматических писателей Сербии «Бранислав Нушич» в 2014 году за сам текст.

Закрытие фестиваля состоится 24 сентября постановкой Театра Наций «ГРОЗАГРОЗА» А. Островского в постановки художественного руководителя Волковского театра – Евгения Марчелли. Это лучший подарок искушённым зрителям, поклонникам изысканной эстетики. По замыслу режиссера, его «ГРОЗАГРОЗА» о любви: «Я не знаю, любовь – это небесная кара или награда, высочайший в жизни смысл, подарок? Наверное, подарок, попытка соединить эти два разнополых существа, живущих параллельно, а в любви эти параллели пересекаются. И «ГРОЗАГРОЗА» - про это, а не про «темное царство».

Теперь вам осталось выбрать, какое театральное событие фестиваля нельзя пропустить именно вам и успеть приобрести билет на

Продолжаем серию очерков о Волковском театральном фестивале 2017 года.

Третий день

Для меня он был очень печален. Зная, что все спектакли по выходным дням начинаются в 18 часов, я и пришла к этому времени. А концерт Российского Центра духовной музыки из Москвы начался в 17 часов! Мне посчастливилось побыть на концерте лишь 20 минут. Это были прекрасные минуты. И тому, что концерт был отличным, свидетельствовали дружные аплодисменты, зрители аплодировали стоя. Так что запомните это название, будете в Москве, обязательно побывайте на их концертах.

Четвертый день.

Зрительный зал был переполнен. Свидетельство – приставные стульчики на бельэтаже. Что было вовсе не удивительным. Приехал театр им. Пушкина из Москвы со спектаклем «Дом, который построил Свифт» по пьесе Г. Горина, режиссер Е.Писарев.

Как всегда, мне снова отказали в месте в правой служебной ложе. Её наполненность тоже показательна: если в первый день там, на 11 местах, ко второму отделению спектакля оставалось всего 2 зрителя, во второй день фестиваля – 4 зрителя, то в «день Свифта» – 9 зрителей на 11 местах. Хороший «барометр» - эта правая служебная ложа!

Как всегда, на 4-м месте в ложе бельэтажа плохо видно, к тому же действие часто смещалось к левой стороне сцены, где располагался главный герой, Свифт. Время от времени, чтоб подробнее рассмотреть, что происходит на сцене, мне приходилось смотреть спектакль стоя. Впрочем, такое нарушение допускала не только я, но и дамы в соседних ложах.

По причине ограниченности видимости в первом отделении спектакля, расскажу об общих впечатлениях. Честно признаюсь в своём невежестве, эту пьесу я не знала. Ну, что мы смотрели в прошлом из горинского наследия?! Все вспомнят содержание фильмов «О бедном гусаре…», «Формула любви», «Тот самый Мюнхаузен», а вот о пьесе «Дом, который построил Свифт» большая часть зрителей скорее только слышала, но вряд ли читала. Поэтому с со» держанием пьесы пришлось «разбираться» по ходу разворачивания действия на сцене. Что показательно, вспоминая путаницу предыдущих спектаклей, когда рядовому зрителю было трудно разобраться в переплетениях сюжета, здесь отмечу, что постановка была ясной и «выдержана по тексту». Я не разобралась только в любовном треугольнике.

Кратко же: Свифт - писатель и, переходя на современный язык, бунтарский публицист в Англии, живет в Ирландии, в собственном доме, где нашли приют многие отверженные. Власти Ирландии, желая сохранить знаменитого, но беспокойного публициста, делают вид, что верят в сумасшествие Свифта, чтоб тем самым оправдаться перед королевским советом – почему-де не принимают к этому неспокойному человеку меры. А с другой стороны, ирландские власти желали бы сами утихомирить бунтаря, но «домашними средствами».

Поэтому от имени опекунского совета в дом Свифта губернатор и направил нового доктора. Спектакль рассказывает о событиях во время пребывания доктора Симпсона в доме Свифта. Первые сцены показались затянутыми, например, сцена с двумя лилипутами. Но вот пошел рассказ о великане, которого общественное мнение «заставило» снизиться до среднего уровня. Сцены с великаном впечатлили своим философским содержанием о несовершенстве жизни – «жгут леса, убивают друг друга из-за клочка земли»; хотелось включиться в действие с собственными рассуждениями.

А заседание опекунского совета с участием губернатора!? Отдельные фразы хотелось комментировать сразу же, настолько они современно звучат в сегодняшней России! Но апофеозом первого отделения, несомненно, были сцены с полицейским, который под влиянием одного из арестованных актеров вспоминал все свои «предыдущие жизни». Он подумал, что был одним из тех легионеров, что вели на казнь Христа. Полицейский решил изменить линию своей судьбы и пытается освободить арестованных актёров, во время стычки с другим полицейским он погибает. Сцены с «раскаявшимся полицейским» были вершиной спектакля. Они по-настоящему взволновали зрителей.

Второе отделение оказалось более слабым по моральному и эмоциональному воздействию на зрителя, хотя в том вины режиссера и актеров нет. Но философская составляющая пьесы продолжала волновать. Ставшее афоризмом: «думаем одно, говорим другое, а делаем третье» - из этой пьесы. А от прозвучавшей фразы «Можно убивать непониманием» захотелось расплакаться!

Весьма позабавили сцены с чиновниками. Стало понятно, почему в качестве эксперта выбрали врача из города, где врачи имели самую низкую квалификацию. И чиновники, и сам Свифт надеялись, что врач не поймёт, что Свифт притворяется сумасшедшим, и что его окружение также симулирует психические отклонения, чтоб избавиться от лишних любопытных. И жить сообществом единомышленников в чуждом окружении. О, как выбор врача для экспертизы напоминает нынешние реалии, когда нужное заключение экспертизы просто «покупается»…

Во втором отделении я исхитрилась и нашла освободившееся место «дезертира»-зрителя, с которого мне было прекрасно видно сцену, и я в полном мере насладилась игрой актеров. Особенно мне пришлась по душе игра актера в роли доктора. И певческие вставки, и живая музыка были всегда к месту, оживляли действие. Правда, отзывы зрителей были весьма сдержанны. Понятно, что не всех привлекла философская составляющая пьесы, многим не понравились мрачные декорации, один серьезный человек признался, что «скучал» на спектакле.

Этот спектакль удивительным образом перекликается с предыдущим спектаклем фестиваля - «Добрый человек из Сезуана».

Неужели время такое пришло – призывать общество защищать слабых и отверженных!

В Ярославле спектаклем "Добрый человек из Сезуана" открылся восемнадцатый Международный Волковский фестиваль. В этом году праздник театрального искусства, проходящий на сцене первого русского театра, посвящен 100-летию со дня рождения всемирно известного театрального режиссера Юрия Любимова.

Создатель неповторимой эстетики родился в Ярославле, провел здесь первые пять лет жизни, а потом регулярно приезжал в деревню в Даниловский район. Поэтому открыл фестиваль, как когда-то "открыл" Театр на Таганке, легендарный спектакль Юрия Любимова "Добрый человек из Сезуана". Такой, каким поставил его сам мастер, несмотря на сменившееся поколение актеров. Постановка не уходит из репертуара 54 года, и для Театра на Таганке, по словам его директора Ирины Апексимовой, она значит примерно то же, что для МХАТа - столетняя "Синяя птица".

Очень сложно сохранить спектакль в его первозданном состоянии, но "Добрый человек из Сезуана", видимо, был так крепко сбит, что с ним ничего не происходит, - призналась Ирина Апексимова. - Я его увидела впервые в 1986 году еще с Николаем Губенко и Зинаидой Славиной в главных ролях. Теперь играют совсем друге артисты, но спектакль настолько крепко сделан - как балет. Может быть, в этом его секрет, а может быть, там действительно что-то такое заложено… Он до сих пор пользуется успехом.

Что продемонстировала и ярославская публика, встретившая 54-летний спектакль как долгожданную и блистательную премьеру. Кстати, осенью 2011 года Юрий Любимов сам Волковский фестиваль, зрители встречали прославленного режиссера стоя, и он тогда сказал: "Ярославцы молодцы, что делают такой фестиваль, честь им и слава, потому что этот смотр достижений театрального искусства открывается уже двенадцатый раз - это большой срок, который нелегко выдержать".

Нынешний фестиваль - восемнадцатый. Выдержали. И удивлять-радовать не перестали. По словам исполнительного директора фестиваля Татьяны Цветковой, очень приятно, что фестиваль получился смотром живого театра: "Мы сделали такую программу, чтобы показать ярославскому зрителю и историю, и то, чем живет современный театр". Например, рискнули пригласить московский Театр.doc со спектаклем "Неявные воздействия", который играется не в театре, а в городском пространстве. И оказалось, что не прогадали: все билеты на постановку были раскуплены еще в июле.

Театральный ситком Тверского ТЮЗа "Пустота" по пьесе Максима Черныша в нынешнем году в пяти номинациях претендовал на "Золотую маску". Один из лучших театров России пермский Театр-Театр покажет рок-драму "Калигула" по пьесе Альбера Камю в постановке Бориса Мильграма - лауреата и номинанта "Золотой маски". А спектакль Карельского театра кукол "Железо", надеется Татьяна Цветкова, "разрушит мнение, что театр кукол - это только для детей". По ее мнению, есть театр кукол для взрослых, "и очень хороший". Кстати, художник названной постановки тоже в этом году получил "Золотую маску".

Вологодский областной театр для детей и молодежи привез трагифарс "Утиная охота" по пьесе Александра Вампилова (режиссер - Борис Гранатов), Московский драмтеатр имени Пушкина - комедию "Дом, который построил Свифт" в постановке Евгения Писарева, татарский Театр Камала - комедию "Банкрот" режиссера Фарида Бикчантаева.

В постановке Василия Сенина и исполнении актеров Плевненского драматическо-кукольного театра имени Ивана Радоева (Болгария) ярославцы увидят "Вишневый сад". Другие заграничные гости - Белградский драмтеатр - привезут на фестиваль социальную драму "Мое дитя" (режиссер - Анна Джорджевич).

Последним аккордом Волковского фестиваля-2017 станет премьера Театра Наций пятимесячной давности - спектакль худрука Волковского театра Евгения Марчелли "ГрозаГроза".

Сколько я "Гроз" ни видел, они меня внутри всегда не устраивали, - признался режиссер. - Мне казалось, что это неподъемная пьеса, убитая, убийственная, кошмарная. Я всю эту мороку в себе попытался победить и попробовал рассказать очень человеческую историю".

Кстати

На открытии Волковского фестиваля были вручены премии правительства РФ имени Федора Волкова. Лауреаты этого года: Государственный театр кукол Республики Карелия (Петрозаводск), Татарский государственный академический театр имени Г. Камала (Казань) и художественный руководитель Вологодского областного театра для детей и молодежи, народный артист России Борис Гранатов.

Для ярославского театра было делом чести провести форум на высоком уровне, несмотря на арест Юрия Итина

Волковский фестиваль в Ярославле (открывается уже 14-го) давно стал настоящим подарком для всех театралов: его программа столь удачно сбалансирована по изысканности, новаторству и представленной географии спектаклей, что, едва взглянув на афишу, сразу ощущаешь лицо современного театра - чем он живет, куда движется, какие проблемы в себе «перемалывает», а какие - заново озвучивает. И что важно (форум идет на сцене первого русского профессионального театра с 2000 года), среди зрителей давно - не только жители Ярославля, но самая что ни на есть продвинутая публика из столиц...

Театр на Таганке, "Добрый человек из Сезуана". Фото: volkovteatr.ru.

Каждый год в это самое время о фестивале нам рассказывал директор волковского театра Юрий Итин, - конечно, события последних месяцев, связанные с его арестом, поставили театр в сложное положение, но пришлось выкарабкиваться и проводить форум (частично спланированный Итиным) в самом высоком качестве, на заявленном международном уровне. И открывается афиша московским театром на Таганке - легендарным «Добрым человеком из Сезуана» Брехта, ведь его постановщику Юрию Петровичу Любимову в этом году исполнилось бы сто лет.

Этот фестиваль мы посвящаем памяти Любимова, - говорит исполнительный директор форума Татьяна Цветкова , - он родился в Ярославле, является нашим земляком, поэтому логично, что Таганка начинает наш марафон. Причем, спектаклем, с которого она состоялась, ведь в «Добром человеке из Сезуана» заложен манифест любимовской эстетики. И 30 сентября великому режиссеру исполнилось бы сто лет...

- А если говорить о творческих акцентах фестиваля в целом?

В этом году мы уделяем большое внимание современным театральным формам. Например, Театр.doc впервые приедет к нам со своей экспериментальной постановкой «Неявные воздействия», причем, в формате иммерсивного театра, когда действие развернется прямо на ярославских улицах. Также принимаем Тверской ТЮЗ с работой под названием «Пустота»: это современная драматургия в режиссуре Талгата Баталова (кстати, это его режиссерский дебют в «большой форме»). И «Пустота» сразу вошла в пять номинаций на соискание премии «Золотая маска».

- Вижу в афише спектакли из Сербии, Болгарии...

Да, и это украшение фестиваля: сербы (Белградский драматический театр) привозят «Мое дитя» (также современная драматургия) в постановке Анны Джорджевич, работа эта получила массу национальных и международных наград. А один из лучших театров Болгарии - Плевненский драматическо-кукольный театр имени Ивана Радоева дает свою интерпретацию «Вишневого сада». Любопытный эксперимент: они проводят ассоциацию, что сад - это театр, задают вопрос - кому театр нужен, насколько он актуален, конкурентоспособен ли с другими видами искусства. Особо хочу сказать о «Калигуле» по пьесе Камю пермского «Театр-театр» (режиссер Борис Мильграм). «Калигула» впервые выезжает на фестиваль в принципе, и к нам приедет его отсматривать экспертный совет «Золотой маски», что очень ценно. Надо сказать, что в этом году мы достаточно расширили географию (раньше было все-таки больше московских постановок), а сейчас представлены разные регионы и направления, как, скажем, Татарский театр имени Галиасгара Камала со спектаклем «Банкрот».

Пермский "Театр-театр", "Калигула". Фото: volkovteatr.ru.

- Очень чувствуется по афише, что ставка делается на живой, новаторский театр. Как вы сами ощущаете?

Как театральный форум, мы хотели бы показать гостям и участникам тот мейнстрим, который существует в современном театральном процессе. Показать совершенно разные направления, - от национального до авангардного, - дающие развитие театру как искусству. Взять даже классические названия - ту же «ГрозуГрозу» Островского Театра наций (она закроет фестиваль 24-го сентября), - всё равно это совсем другая «Гроза» в постановке Евгения Марчелли. И мы хотим эти новые формы, этот новый театральный язык представить зрителям.

Бывает, что какой-то спектакль очень сложно привезти из-за сложности декораций, или не помещается в портал сцены... В этот раз подобные проблемы были?

Сложнее всего было привезти спектакль из Перми, из «Театр-Театр». Потому что Борис Мильграм в своей работе сделал акцент на музыкальность, такой формат мюзикла даже... Поэтому у них был огромный и сложный звуковой райдер. Изначально у них живой оркестр, очень качественные инструменты, некоторые из них нельзя было привезти, равно как и звуковое оборудование, которое вмонтировано в стационар. Поэтому пришлось все эти нюансы учитывать, чтобы спектакль прошел на должном уровне, тем более, если его отсматривает «Маска».

- Чувствуется ли сейчас отсутствие Юрия Итина? Он столько лет делал этот фестиваль...

Конечно. Ведь часть фестивальной программы мы планировали вместе еще до всех событий. А потом в связи с определенными нюансами, которые возникли, пришлось доформировывать остальную часть афиши. Да, если бы был Юрий Константинович, то многие вопросы решались бы легче, а так нам (поскольку я недавно работаю в Волковском) приходится что-то решать методом проб и ошибок, заново что-то для себя открывать. Мы очень надеемся, что у Юрия Итина будет все хорошо, что он будет на свободе. Но жизнь идет дальше, и сейчас фестиваль должен пройти на самом высоком уровне, зритель ждет этого.