Декоративное искусство как вид изобразительного творчества. Декоративно-прикладное искусство: виды, образы, развитие. Музей декоративно-прикладного и народного искусства. Художественная роспись по керамике

ДЕКОРАТИВНО-ПРИКЛАДНОЕ ИСКУССТВО - раздел изобразительного искусства, произведения которого отличны по функции и масштабу от монументальных и станковых произведений.

Термин характерен для культуры Нового времени , подчеркивает подчиненное положение Декоративно-прикладного искусства по отношению к другим видам изобразительного искусства. Отделение Декоративно-прикладного искусства от других изящных искусств отражает концепцию превалирования эстетического значения произведения искусства над его утилитарными свойствами. Широко распространенный в западной истории искусств термин ars minoris (искусство малых форм), близкий к определению Декоративно-прикладного искусства, подчеркивает разницу в масштабе, не противопоставляя произведений разных видов искусств и подразумевая свободу заимствования форм и мотивов. Произведения Декоративно-прикладного искусства (посуда, мебель , другие предметы быта, костюм, оружие, предметы роскоши и украшения, в том числе инсигнии - знаки власти и сана - венец, стемма, тиара) сомасштабны человеку, тесно связаны с его деятельностью, вкусом, достатком, уровнем образования, но их материалы и технологии могут во многом совпадать с др. видами пространственных искусств.

Интерес к Декоративно-прикладному искусству и средневековым ремеслам в среде европейских художников эпохи романтизма середины XIX века связан с ростом выпуска промышленной продукции низкого художественного качества. Прерафаэлитами, представителями движения искусств и ремесел, было провозглашено равноправие искусства и ремесла, и Декоративно-прикладное искусство определялось как «художественные ремесла». В 60-90-х годах XIX века У. Моррис и Ф.М. Браун организовали фирму, специализировавшуюся на отделке интерьеров произведениями Декоративно-прикладного искусства ручной работы. В качестве социальной формы возрождения художественных ремесел была предложена средневекековая форма объединения художников («Гильдия века», 1882, Англия).

Понимание Декоративно-прикладного искусства как самостоятельной области художественного творчества и неотъемлемой составляющей синтеза искусств, отчасти созвучной средневековому церковному художественному синкретизму, характерно для стиля модерн в начала XX века, например для работ художников абрамцевского кружка и объединения «Мир искусства» (М.А. Врубель, В.М. Васнецов, Е.Д. Поленова и др.). Художники-авангардисты XX века, ставившие задачей преобразование человека посредством реформирования быта и условий жизни, часто работали в сфере Декоративно-прикладного искусства (например, рисунки для тканей В. Степановой 20-х годов XX века). Сочетание творческой свободы в трактовке образа, свойственной ведущим пространственным искусствам, с обилием форм и материалов Декоративно-прикладного искусства стимулировало развитие дизайна - ведущей специализации современного искусства, художественной промышленности и индустрии массовых товаров в XX века. С конца XX века в России активно возрождаются промыслы, специализирующиеся на изготовлении предметов церковного обихода.Ведущая роль в этом процессе принадлежит основанному в 1944 году художественно-производственному предприятию РПЦ «Софрино», выпускающему более 3 тысяч наименований изделий, в т. ч. иконостасы, престолы, ограды на солею, настенную и напольную церковную утварь (киоты, панихидные столы, аналои), мебель для храма, паникадила, ювелирные изделия (иконы и оклады к ним, кадила, дароносицы и дарохранительницы, потиры, блюда, лампады, кресты, пасхальные яйца и т. п.). В швейном цехе изготавливаются облачения для священнослужителей, а также декорированные лицевым и орнаментальным шитьем плащаницы, покровы, хоругви, воздухи, скрижали и др. Церковные ткани высокого художественного качества выходят из златошвейной мастерской Троице-Сергиевой лавры. Возрождением церковного искусства вышивки занимаются сестры Новотихвинского монастыря Екатеринбурга, создающие храмовые и богослужебные облачения, шитые иконы и сувениры. С восстановлением в 1989 году монастырской жизни в Свято-Троицком Ново-Голутвинском женском монастыре в Коломне были созданы мастерские, среди которых особый интерес представляют вышивальная и керамическая, где изготавливаются расписанные в характерной бело-сине-золотой гамме иконы, миниатюрные скульптурные или рельефные композиции на тему монастырской жизни и др. Современные художники, работающие в технике ростовской финифти, создают миниатюрные образы святых («Святой Сергий Радонежский Чудотворец, с житием», 1997, художник М.А. Рожкова (Масленникова), фирма «Софрино»; «Святые Сергий Радонежский и Серафим Саровский», 1992, Ростов, художник Б.М. Михайленко, ГМЗРК; «Святой Димитрий, митрополит Ростовский», художник Н.А. Куландин, частное собрание, и многие другие).

Классификация видов Декоративно-прикладного искусства по масштабу, материалу, степени творческой свободы, принятая искусствознанием Новейшего времени, отражает различие их восприятия секуляризованным сознанием и средневековым религиозным сознанием, акцентировавшим смысловое единство архитектуры храма, произведений монументальных (мозаика, фреска) или станковых (иконы) форм и предметов церковной утвари и убранства, наполняющих церковное здание, что подтверждают описи церковного имущества, определявшие церковную утварь, уборы икон, облачения и книги как «церковное строение», «милость Божию». Их описания зачастую более подробны, чем описания иконографии образов, поэтому бытование той или иной иконы, прежде всего чтимой, прослеживается лишь благодаря особенностям ее убранства (оклада, привесов, прикладов).

Для средневек. христианина был важен символический смысл материала, из которого исполнен предмет. Так, драгоценные материалы считались наиболее соответствующими предметам, предназначенным для совершения Божественной литургии или украшавшим жилище Божие. Тесная связь предметов Декоративно-прикладного искусства, в том числе произведений церковной утвари и убранства, с природным материалом и ремесленно-кустарными технологиями его обработки позволяла искусствознанию советского периода рассматривать их в контексте народного творчества. В современной отечественной науке постепенно утвердился термин «церковная утварь» («церковное строение»), обозначающий произведения Декоративно-прикладного искусства, созданные для богослужения и украшения храма. К ним относятся богослужебные сосуды (потиры, дискосы, блюда, тарели, звездицы, копия, лжицы и др.); священнические ризы и облачения престола (антепендиум, индития); светильники (кандеи, паникадила, лампады); украшения икон (оклады, цаты, привесы), книг (оклады Евангелий), интерьера (хоросы, преграды, амвоны, купели); мелкая пластика (камеи и инталии, кресты и иконы из кости, литые кресты-энколпионы и дробницы); колокола.

В средние века существовала традиция делать вклады «на помин души» в церкви и монастыри в виде дарений предметов светской роскоши (ткани, одежды, посуда, украшения), в результате чего ризницы и интерьеры древнейших соборов, например Святой Софии в Константинополе и Святой Софии в Киеве, стали первыми собраниями шедевров Декоративно-прикладного искусства. Сокровищницами произведений средневекового златоделия Западной Европы являются ризницы соборов святого Петра в Риме, Сан-Марко в Венеции, святого Вита в Праге, соборов Генуи, Кёльна, Мадрида, Ахена, Лоретанского монастыря в Праге и собрание Христианского музея в Эстергоме. В России знамениты ризницы Троице-Сергиева монастыря (СПГИАХМЗ), собора Святой Софии в Новгороде (НГОМЗ), храмов Московского Кремля (ГММК).

Детали убора икон Божией Матери (коруна, убрус, рясны, серьги, привесы-мониста, запястья) повторяли типы женских украшений или действительно являлись мирскими ювелирными изделиями, «приложенными» к святыне (Стерлигова. 2000. С. 150-160; Царский храм. 2003. С. 69). Благочестивое рвение не имело государственных границ. Новгородский князь Мстислав Владимирович послал в Константинополь в сопровождении доверенных людей написанное по его заказу Евангелие, для которого там был создан драгоценный оклад, цену которому «един Бог ведае» (Мстиславово Евангелие, 1-я четверть XII века; поновления XVI века, ГИМ).

Материалы и техники Декоративно-прикладного искусства.
Наиболее распространенная классификацияДекоративно-прикладного искусства основана на различиях материалов и методов их обработки. Предметы могут быть выполнены из металла, камня, стекла, керамики, фарфора, тканей, дерева и кости. Некоторые материалы Декоративно-прикладного искусства (металл, камень, дерево) известны с доисторического периода. Техники и технологии их обработки, усовершенствованные с целью создания художественных произведений в эпоху античности, были унаследованы средневековой и современной цивилизацией через Византию (смотри статью Византийская империя, раздел «Прикладное искусство Византии»). О популярности констнтинопольских ювелирных и эмальерных мастерских свидетельствуют дробницы (1-я четверть XII века) с оклада Мстиславова Евангелия (до 1125 года, ГИМ), алтарный образ собора Сан-Марко в Венеции - так называемая Пала д"Оро (Рala d"Oro) (2-я половина XI века), многочисленные византийские ставротеки и эмалевые медальоны, хранящиеся в средневековых христианских сокровищницах. Христианская культура адаптировала произведения античного языческого мира (камеи, инталии, сосуды из полудрагоценных камней) к своим потребностям. Так, декор чаш для воды с изображениями Диониса дополнялся христианскими молитвенными формулами или текстами псалмов, после чего сосуды использовались для литургии.

В эпоху средневековья мастера Декоративно-прикладного искусства разных стран заимствовали друг у друга формы и орнаментальные мотивы. Так, готические остроконечные крестообразные цветы и удлиненные S-образные фигуры встречаются на произведениях византийских мастеров XIV века (дискос Фомы Прелюбовича, 2-я половина XIV века, монастырь Ватопед) и русских серебряников XV века (панагиар 1435 новгородского мастера Ивана, НГОМЗ). Русские злато- и среброкузнецы XIV-XV веков использовали восточные мотивы, в XVI веке украшали предметы церковной утвари дробницами работы золотоордынских мастеров XIII-XIV веков (Царский храм. 2003. С. 354-355. Кат. 125). Турецкие орнаменты появляются на серебряных церковных сосудах константинопольской работы XV-XVI веков (потир патриарха Феолепта, 80-е годы XVI века, Музей Павлоса и Александры Канеллопулос, Афины; смотри: Byzantium: Faith and Power (1261-1557): Cat. оf an Exhibition. N. Y., 2004. P. 446-447. Cat. 271), используются в произведениях балканской торевтики XVI-XVII веков (Feher G. Türkisches und Balkanisches Kunsthandwerk. Corvina, 1975; Христианское искусство Болгарии: Католог выставки. 1 октября - 8 декабря 2003 года. М., 2003. С. 45). Искусство мастеров Стамбула оказало влияние на цветовую гамму русских эмалей XVII века (Мартынова. 2002. С. 14, 20).

Среди техник обработки металла известны литье, ковка, чеканка, выколотка, просечка, канфарение, басма, гравировка, инкрустирование, гальваника (золочение, серебрение, патинирование), скань, филигрань, зернь, эмалирование. Для литургических сосудов предписывалось использовать драгоценные металлы или олово, не образующее токсичных веществ. Клады с серебряными и золотыми церковными предметами известны с позднеантичного и ранневизантийского периодов в Малой Азии и Сирии. Металлические предметы церковного убранства, покрытые изображениями, повторяли иконографические изводы, принятые в иконописи и монументальной живописи, при обветшании их поновляли с сохранением древних частей; если же это было невозможно, их сохраняли в церковной казне или ризнице, отмечая в инвентарях и описях. Металлическую светскую посуду (ковши, чарки) вкладывали в храмы, дарили духовным особам, использовали в богослужении как сосуды для теплоты (укропники).

В технике литья изготавливали кресты-энколпионы, дробницы для украшения окладов и др. Гравировкой выполняли изображения и надписи (потир архиепископа Моисея, 1329, ГММК). В технике огневого золочения, перенятой русскими мастерами у византийских мастеров, украшали церковные и алтарные врата (Васильевские врата, 1335/1336 года, южный портал собора александровского Успенского монастыря). Филигранью, сканью и зернью декорировали оклады икон, книг, лампад. Разновидностью скани были напаянные на поверхность конусы из тонкой проволоки, часто применяемые мастерами Западной Европы эпохи Оттонов (X - середина XI веков) и московскими златокузнецами XIV века, украшавшими ими оклады икон (венец и гривенка иконы «Богоматерь Боголюбская» из Благовещенского собора Московского Кремля, венец Богоматери на иконе «Богоматерь Млекопитательница» (ГОП) (Мартынова. 1984. С. 109; Стерлигова. 2000. С. 207-213; Царский храм. 2003. С. 101-103. Кат. 9-10)). В зрелом средневековье на территории Древней Руси славились новгородская скань и филигрань, в период объединения Русского государства ведущим центром техники скани стала Москва.

Одной из разновидностей эмалирования является техника черни, состоящая в нанесении на гравированное или протравленное на металле изображение массы из серебра, меди, свинца, серы и буры с последующим обжигом. В XVI-XVII веках чернью украшали дробницы на служебных облачениях, пеленах, церковных предметах, именуемые в описях «дробницы святые писаны чернью» (Опись Образной палаты Московского Кремля 1669 года; смотри: Успенский А.И. Церковно-археологическое хранилище при Московском дворце в XVII веке // ЧОИДР. 1902. Кн. 3. С. 67-71). Чернью декорировали и оружие. Шедеврами сребро- и златоделия в XVII веке были украшенные эмалями образцы парадного оружия работы мастеров Оружейной палаты (Мартынова. 2002. Кат. 65, 66, 80-82, 104, 105, 221-224).

Камнерезное дело тесно связано с архитектурой и скульптурой. Античная традиция украшения зданий скульптурой была унаследована Византией и странами ее круга. Она нашла отражение в наружном декоре христианских храмов в Малой Митрополии в Афинах (XII век), включающем античные рельефы, трансформированные в христианском духе. Русские храмы в домонгольское время, например собор Святой Софии в Киеве, украшали шиферными плитами с рельефными фигурами святых воинов. Небольшая шиферная икона с оплечными изображениями Спасителя и святого Иоанна Предтечи из собрания А.С. Уварова (ГИМ) датируется XVIII-XIX веками.

Иностранцы, приезжавшие в Московское государство с православного Востока (архиепископ Арсений Элассонский в конце XVI века, архидиакон Павел Алеппский в середине XVII века), отмечали роскошь убранства церквей, обилие жемчуга и драгоценных камней на предметах и одеждах. В XVI-XVII веках отполированными и ограненными драгоценными камнями украшали оклады, венцы, привесы, цаты чтимых икон храмов Московского Кремля и др. Так, оклад Владимирской иконы Божией Матери, согласно описи Успенского собора 1627 года, был убран 64 «яхонтами лазоревыми» (сапфирами) разной величины, 44 лалами, 7 изумрудами, 25 раковинами, «камнем юга», «тунпасом» (топазом), примерно 160 «гурминскими зернами» (крупными и средними жемчужинами правильной формы), не считая привесов, прикладов и мелкого жемчуга на обнизи элементов оклада (Описи московского Успенского собора XVII века // РИБ. 1876. Вып. 3. Стб. 375-376). По описи 1701 года, оклад той же чудотворной иконы был украшен почти 1 тысяча алмазов, а также камнями, жемчугом и привесами (Там же. Стб. 575-577). Местный образ Спасителя на престоле («Спас златая риза») имел на окладе 282 «изумрудца» помимо других камней (Там же. Стб. 568). Согласно описи Благовещенского собора 1701-1703 годов, убор Донской иконы Божией Матери, сделанный по заказу царицы Наталии Кирилловны в середине 90-х годов XVII века, представлял собой «настоящую минералогическую коллекцию, т. к. состоял из шести сотен разным образом ограненных изумрудов, множества других драгоценных камней и жемчужин» (Царский храм. 2003. С. 63-78).

К камнерезному искусству относятся произведения глиптики - помещенные в оправу драгоценные и полудрагоценные камни с рельефными (камея) или контррельефными (инталия) изображениями. Византийские камеи с образами святых включались в декор предметов парадного характера (сапфировая камея X века в составе панагии архиепископа Пимена, 1561, НГОМЗ) или в заказанные государями приклады к иконам («Богоматерь Неопалимая Купина» в Кирилловом Белозерском монастыре: золотая икона с цепью и сапфировой камеей с изображением великомученика Георгия - смотри: Опись Кирилло-Белозерского монастыря 1601 года. СПб., 1998. С. 74), принадлежали знатным лицам (резной образ великомученика Георгия на камне «яшмере» мезецкого князя Семена Романовича - смотри: Акты суздальского Спасо-Евфимиевского монастыря, 1506-1608 годы. М., 1998. С. 220).

Древнерусские мастера использовали античные, византийские или западноевропейские чаши из полудрагоценных камней для изготовления сосудов для причастия, например потиров (потир архиепископа Моисея Новгородского, 1329, ГММК). Подобные чаши имелись в московских и новгородских соборах, опись 1577-1578 годов фиксирует в соборе города Коломны «патыр… сердоличен» (Города России XVI века: Материалы писцовых описаний. М., 2002. С. 7).

Среди техник художественной обработки стекла распространены выдувные изделия, штамповка, резьба, гравировка. Стеклянная посуда производилась в Древнем Египте, Древней Греции и Риме, в Византии. В домонгольской Руси пользовались спросом цветные стеклянные бусы и браслеты. В Западной Европе в эпоху готики стали делать стеклянные реликварии архитектурных форм, использовавшиеся для демонстрации святынь во время религиозных процессий и церемоний. Расцвет западноевропейского художественного стекла начался с эпохи Ренессанса.

Стекло было основой витража - вида монументальной живописи, достигшего высшего развития в Западной Европе, однако известного в Византии и странах ее круга.

Из стекла изготовлялась смальта для мозаики монументальной и миниатюрной, образцами последней являются византийские иконы XIII-XIV веков.

Стекло является основой перегородчатой и выемчатой эмали, украшающей изделия из металла. Техника перегородчатой эмали, получившая развитие в Византии IX-XII веках, состоит в напаивании на металлическую поверхность тонких перегородок, образующих контуры изображений. Пустоты между ними заполняются порошкообразной цветной стеклянной массой, разведенной на воде или растительном связующем (мед, смола), с последующим обжигом и полировкой изделия. Наиболее знамениты эмали константинопольских мастерских, работавших как для византийских, так и для иностранных заказчиков (эмали X-XII веков. Пала д"Оро; первоначальные дробницы Мстиславова Евангелия, 1-я четверть XII века). Более простой разновидностью эмали является выемчатая, предполагающая заполнение стеклянной массой углублений в медной или бронзовой основе, образующих изображение. Одним из древнейших центров производства эмалей был город Лимож. Лиможскими эмалями украшены предметы утвари, найденные при археологических исследованиях в Суздале, оклад Евангелия из Антониева монастыря (XIII век, НГОМЗ). В зрелом средневековье крупнейшим центром производства эмали был Новгород, на рубеже XV и XVI веков эта роль перешла к Москве. В XVII веке в различных русских центрах (Вятка, Ростов, Усолье) процветала живописная эмаль, украшавшая небольшие дробницы-медальоны. На серебряную или медную основу наносили фоновый слой одноцветной эмали, затем его расписывали эмалевыми красками, обжигали и полировали. С петровской эпохи в этой технике создавались портреты (мастера А.Г. Овсов, Г.С. Мусикийский).

Одним из крупнейших центров производства эмали был Ростов, где к середине XIX века работали около 100 мастеров-эмальеров. В XVIII-XIX веках эмалевыми медальонами (дробницами) с изображениями священных сюжетов украшали предметы церковного убранства (потир работы Егора Искорникова для Донского монастыря, 1795, ГИМ; дарохранительница Казанского собора, 1803-1807 годы, ГМИР; эмалевые вставки работы Д.И. Евреинова со сценами «Проповедь Иоанна Крестителя в пустыне» по оригиналу А.Р. Менгса, «Воскресение Христа» по оригиналу неизвестного художника, «Преображение» по оригиналу Рафаэля, «Святое Семейство» по оригиналу А. Бронзино), облачения и архиерейские митры (митра XIX века, ГМЗ «Ростовский кремль»), оклады икон и напрестольных Евангелий. Эмалевые медальоны с изображениями чтимых святых служили паломническими реликвиями («Преподобный Сергий Радонежский перед гробами родителей», 2-я половина XIX века, ЦМиАР, Государственный Музей изоискусств РТ (Казань)). Эмали в сочетании со сканью широко использовались в предметах так называемого русского стиля 2-й половины XIX - начала XX веков.

Материалом керамики (от греческого κέραμος - черепок) служит глина, сформированная от руки или на гончарном круге и затем обожженная. Со времен античности керамические изделия украшали гравировкой, штамповкой, росписью с дальнейшим покрытием облицовочным слоем цветной глазури. В романскую эпоху (XI век) возникает высококачественная архитектурная керамика - облицовочные плитки и изразцы. На территории стран византийского круга создавались керамические иконы, прообразом которых стала одна из главных христианских святынь - Нерукотворный образ Спасителя на чрепии (Керамидион), находившийся в Константинополе, почитавшийся наравне с Нерукотворным образом Спасителя на убрусе (Мандилион). Эти образы, тесно связанные с архитектурой, в московских храмах XIV-XVI веков нередко дополнялись другими элементами фасадного убранства, выполненными в технике керамики, например орнаментальными поясами. Подобные иконы встречались в Болгарии в X веке. Среди русских икон известны: круглая икона «Святой Георгий» из Успенского собора Дмитрова (2-я половина XIV - 1-я половина XV веков), иконы с фасадов Борисоглебского собора Старицы (1558-1561 годы), «Распятие Христово» с арочным завершением и круглая икона «Спас Нерукотворный» (обе 1561, ГИМ). Изразцы с орнаментами входили в храмовый декор русского зодчества XVII века (соборы Ярославля, Иосифова Волоколамского монастыря, Воскресенского Новоиерусалимского монастыря).
В западноевропейском искусстве религиозные сюжеты изображали на печных изразцах (печной изразец с изображением мученичества, Богемия, XV век, Прага, Музей прикладного искусства). В эпоху Ренессанса в Италии получила развитие техника майолики: глина белого цвета покрывается 2 слоями глазури - непрозрачным, содержащим олово, и прозрачным блестящим, содержащим свинец. Роспись ведется по сырой глазури синей, зеленой, желтой и фиолетовой красками, способными выдержать последующий обжиг. Особенно известны майолики, выполненные мастерами флорентийской семьи делла Робиа - Лукой, Джованни и Андреа, сотрудничавшими с выдающимися архитекторами, например с Ф. Бруннелески. Майоликовые рельефы украшали интерьеры храмов (Капелла Пацци, 1430-1443 годы) или фасады зданий (Воспитательный дом, 1444-1445 годы). Популярностью пользовалась посуда из майолики: блюда, паломнические фляги, расписанные библейскими или аллегорическими сюжетами, заимствованными с гравюр, кувшины с украшениями и фигурами святых (кувшин с рельефными фигурами святых Екатерины, Варвары и Елисаветы, Богемия, XVI век, Прага, Музей прикладного искусства; паломническая фляга с изображениями Каина и Авеля, Урбино, XVI век, там же). Предметы из фаянса и фарфора (посуда, мелкая пластика), производившиеся в Европе с начала XVI II века, служили главным образом для светских нужд. Значительно позднее фарфор начал использоваться для церковных украшений (фарфоровые иконостасы в монастырях России 2-й половины XIX века).

Расцвет майолики эпохи модерна связан с декорацией фасадов, в том числе церковных: церквей в честь Воскресения Христова и Покрова Богоматери в Гороховском переулке в Москве (архитектор И.Е. Бондаренко, 1907-1908 годы), Спаса Нерукотворного в поселке Клязьма под Москвой (архитектор С.И. Вашков, 1913-1916 годы).

Среди техник церковных художественных тканей преобладают лицевое и орнаментальное шитье, гобелены. В ткачестве эпохи поздней античности и раннего христианства сосуществовали языческие и христианские орнаментальные мотивы и образы (коптские ткани IV-X веков, ГЭ). В восточном и западном христианстве распространенным способом украшения тканых изделий, особенно предназначавшихся для церковной службы, была вышивка. В эпоху средневековья лицевое шитье было областью женского творчества, отличавшегося особым благочестием, поскольку оно отчасти повторяло занятия Девы Марии во время Ее пребывания в иерусалимском храме, когда Она, согласно изводу Благовещения Пресвятой Богородицы, пряла пурпурную нить. Прядение руками Богоматери символизировало Воплощение, сотканную плоть Богочеловека, что придавало древнему ремеслу богословский смысл.

Орнаментальное шитье в сочетании с драгоценными камнями, жемчугом, лицевыми и орнаментальными дробницами украшало одежды священнослужителей (Большой (Византия, 1414-1417 годы, ГММК) и Малый (середина XIV века, Византия, XV-XVII века, Россия, ГММК) саккосы митрополита Фотия). Лицевое шитье использовалось при создании пелен к иконам, литургических и надгробных покровов. Иконография сюжетов, как правило, повторяла живописную иконографию. Работа над исполнением важных предметов шитья распределялась подобно работе над иконами или фресками. Знаменщиками композиций были лучшие художники своего времени. Так, в середине - 2-й половине XVII века С. Ушаков занимался знаменанием произведений мастерских Оружейной палаты (Маясова. 2004. С. 9, 46-47). Другие мастера специализировались на «знаменании» слов и трав. Мастерские имели технические секреты и стилистические особенности. В XVI веке популярностью пользовалось шитье мастериц княгини Евдокии (в иночестве Евфросинии) Старицкой, служившее образцом: известно, что в 1602 году по указу Бориса Годунова в Кириллов Белозерский монастырь возвратили плащаницу («воздух большой») работы старицкой мастерской, который брали в Москву для копирования (Там же. С. 62). В XVII веке славились качеством и количеством произведений мастерские Строгановых.

К драгоценному убору богослужебных книг, прежде всего напрестольных Евангелий, относятся поворозы, или прокладицы,- богато украшенные закладки с орнаментальным шитьем и жемчугом. Ими закладывали тексты, читаемые на богослужении (Сазанова Е.Г. Закладки как элемент оформления напрестольных евангелий XVI-XVII веков. // Кировский художественный музей имени В.М. и А.М. Васнецовых: Материалы и исследования. Киров, 2005. С. 4-11).

Ткани, а иногда и шитье иностранного производства широко использовались на православном Востоке для церковных облачений. Саккос, вероятно заказанный в Италии для Константинопольского патриарха Кирилла Лукариса (конец XVI-XVII века, ГММК), украшают шитые вставки с изображениями святых; в середине XVII века этот саккос попал в Россию и принадлежал патриарху Иоасафу II.

Лицевое церковное шитье в западной традиции могло иметь монументальный и мемориальный характер. Так, на ковре из Байё (около 1080 года, Музей в Байё; 2×0,5 м) запечатлена история завоевания Англии норманнами. Кроме того, западная традиция использовала тканые стенные произведения (шпалеры) с изображениями новозаветных событий (поклонение волхвов, житие Богородицы, Апокалипсис). Некоторые тканые изделия церковного назначения, например производившиеся во французском городе Туре ковры для скамей хора с обильным цветочным декором, имитировали завесы с приколотыми живыми цветами, традиционно украшавшие улицы во время прохождения религиозных процессий в праздник Тела Господня (Corpus Christi). Со средних веков до конца XVI века в Нидерландах, Франции, Германии изготовляли тканые произведения, предметы церковного облачения, а также гобелены и шпалеры с сюжетами церковного характера.

С эпохи Ренессанса гобелены ткали по картонам известных мастеров, в том числе на религиозные сюжеты (серия гобеленов «Сказания о деве Марии Саблонской», Брюссель, 1518-1519 годы, по картонам Б. ван Орлея (?)).

С XVII до начала XIX века интерес к религиозным сюжетам и иной продукции церковного характера падает, европейские гобеленные мануфактуры сосредоточиваются на повторении произведений ведущих светских мастеров (П.П. Рубенса, Ф. Буше и др.).

Дерево, в том числе редких пород (кипарис - материал афонских резчиков),- один из наиболее древних материалов Декоративно-прикладного искусства. Ведущие техники обработки дерева - резьба и точение. Деревянные произведения церковного Декоративно-прикладного искусства близки к произведениям архитектуры (царские и входные врата, например «Златые» врата для южного входа в собор Святой Софии в Новгороде (60-е годы XVI века, фрагменты в ГРМ), тябла и иконостасы XVII-XVIII веков, амвоны, например новгородский амвон (1533, ГРМ)) и скульптуры (статуи, распятия, вотивные кресты, например Людогощинский крест (1359, НГОМЗ)), к «иконам на рези» («Никола Можайский», XIV век, ГТГ; «Никола Можайский», XIV век, Никольская церковь Высоцкого монастыря в Серпухове). Из дерева изготовлялись служебные сосуды, а также деревянные кресты, четки, плошки, производимые монастырскими мастерскими для паломников наряду с написанием образов почитаемых святых, копий чтимых в обители икон и с переписыванием житий. В XVI-XVII веках деревянной резьбой обильно украшали 2-сторонние кресты, оправленные драгоценными окладами.

Приемам резьбы по дереву близки приемы обработки кости: слоновая (хрисоэлефантинная техника) была известна с античности, позже в Византии, а также в Западной Европе. Русские мастера резали из моржовой кости (Киликиевский крест (1569, ВГИАХМЗ), резная икона «Святитель Петр, митрополит, с житием» (начало ХVI века, ГОП), по изводу аналогичная живописной иконе Дионисия).

История изучения Декоративно-прикладного искусства Древней Руси.
Идет параллельно с развитием истории и филологии (Стерлигова. 1996. С. 11-20). Этому процессу способствует начало крупных изменений сложившихся средневековых комплексов церковного убранства (Петровский указ 1722 года о привесах, влияние искусства Западной Европы, идей протестантизма). Формируются первые светские собрания - древлехранилища, частные коллекции. До 2-й половины XIX века именно памятники Декоративно-прикладного искусства, а не живопись привлекают внимание ученых и ценителей национальных художественных древностей. Первое монографическое исследование Декоративно-прикладного искусства было посвящено Магдебургским (Корсунским, Сигтунским) вратам новгородского Софийского собора (Аделунг Ф.П. Корсунские врата, находящиеся в новгородском Софийском соборе. М., 1834). Среди публикаций этого периода следует назвать «Древности Российского государства» И.М. Снегирёва (М., 1849-1853 годы. 6 отд.), иллюстрации для которых (рисунки Ф.Г. Солнцева) послужили материалом для исследований И.Е. Забелина по истории русских ремесел.

С середины XIX века активизировалось развитие церковной археологии, дополнявшей письменные источники и изучавшей произведения Декоративно-прикладного искусства как памятники национальной истории и духовности. Были опубликованы: 2-я часть «Археологических описаний церковных древностей в Новгороде и его окрестностях» (1861) архимандрита Макария (Миролюбова), содержащая перечень утвари и икон разного времени и разных стран; исследования Г.Д. Филимонова, создателя Общества древнерусского. искусства при московском Публичном музее (существовало в 1864-1874 годах). Церковной утварью представлены памятники национальной истории в музейных и частных коллекциях этого времени: в коллекции П.И. Щукина, переданной им Историческому музею в Москве, в Музее древнерусского искусства АХ (1856), в ЦАМ СПбДА (1879). В трудах Н.П. Кондакова и Н.В. Покровского, опубликованных на рубеже XIX и XX веков, произведения церковной утвари, главным образом новгородские, были включены в историю как русского, так и всего христианского искусства. В это же время создавались описания крупных коллекций церковного убранства, предваряющие музейные каталоги, например описание Патриаршей ризницы в Московском Кремле архимандрита Саввы (Указатель для обозрения московской патриаршей (ныне синодальной) ризницы и библиотеки. М., 1863).

После 1917 года большинство иконописцев были вынуждены специализироваться на производстве бытовых предметов (шкатулки, панно, броши, адреса), украшенных росписью, в традиционно занимавшихся народными промыслами селах Палех, Мстёра, Федоскино, Холуй. Предметы, конфискованные у частных собственников и Церкви, составили основу крупных коллекций государственных музеев, в которых началось систематическое изучение памятников светской и церковной древности и их научная реставрация. В советский период исследование предметов церковной утвари и убранства, воспринимавшихся как второстепенные по отношению к архитектуре, скульптуре, живописи, в том числе иконописи, было возможно или в рамках народного искусства, или в контексте развития стиля, без рассмотрения их литургической функции.

Большой вклад в развитие изучения истории древнерусского искусства, в тлм числе памятников Декоративно-прикладного искусства, внесли находки, сделанные научными археологическими экспедициями. Труды А.В. Арциховского, В.Л. Янина, Б.А. Рыбакова, систематизировавшие итоги археологических открытий, создали базу для фундаментальных исследований истории древнерусского искусства. Во 2-й половине XX века предметы малых форм, выполненные в различных техниках, изучала Т.В. Николаева; произведения золотого и серебряного дела - М.М. Постникова-Лосева, Г.Н. Бочаров, И.А. Стерлигова; художественного литья, в том сисле медного,- В.Г. Пуцко; шитья - Н.А. Маясова. Технику золотой наводки исследовал Н.Г. Порфиридов (НИАМЗ); обработки дерева - Н.Н. Померанцев, деревянной резьбы - И.И. Плешанова (ГРМ), И.М. Соколова (ГММК); перегородчатых эмалей - Т.И. Макарова. Различным вопросам, связанным с памятниками Декоративно-прикладного искусства местных школ Древней Руси, посвящены труды А.В. Рындиной; работы о византийском Декоративно-прикладном искусстве публиковали А.В. Банк, В.Н. Залесская (ГЭ). Были изданы каталоги коллекций предметов Декоративно-прикладного искусства, а также посвященные этому вопросу отдельные монографии. Зарубежные исследователи середины XX века рассматривали предмет в его культурно-историческом контексте (Grabar. 1957). Новый этап в изучении отечественного средневекового Декоративно-прикладного искусства отмечен выставкой, посвященной празднованию 1000-летия христианства на Руси (Москва, АХ, 1988), широко представившей памятники церковного убранства. Современные исследования произведений Декоративно-прикладного искусства строятся на их стилистическом искусствоведческом анализе в соединении с данными церковной археологии и смежных дисциплин источниковедения, палеографии, эпиграфики и др. (Стерлигова. 2000). Современные выставки и каталоги представляют в экспозиции предметы церковного убранства с точки зрения материала и техники, а также их функции в храмовом ансамбле (Царский храм. 2003).

Произведения декоративно-прикладного искусства отвечают нескольким требованиям: обладают эстетическим качеством; рассчитаны на художественный эффект; служат для оформления быта и интерьера. Такими произведениями являются: одежда, плательные и декоративные ткани, ковры, мебель, художественное стекло, фарфор, фаянс, ювелирные и другие художественные изделия. В научной литературе со второй половины XIX века утвердилась классификация отраслей декоративно-прикладного искусства по материалу (металл, керамика, текстиль, дерево), по технике выполнения (резьба, роспись, вышивка, набойка, литьё, чеканка, интарсия и т. д.) и по функциональным признакам использования предмета (мебель, посуда, игрушки). Эта классификация обусловлена важной ролью конструктивно-технологического начала в декоративно-прикладном искусстве и его непосредственной связью с производством.

Обращение к народному искусству завоевало прочное место в работе современного педагога с детьми. В последние годы занятия декоративно-прикладным творчеством стали очень популярны. Изделия, сделанные руками ребят могут служить украшением школьных интерьеров, так как обладают эстетической ценностью.

Занятия декоративно-прикладным искусством, несомненно, откроют для многих детей новые пути познания народного творчества, обогатят их внутренний мир, позволят с пользой провести свободное время.

Основные виды декоративно - прикладного искусства:

1. (выжигание по дереву, коже, ткани и т. д.)
2. Бисероплетение

Остановимся на последнем из выше перечисленного.

Плетение бисером - древнее искусство. История бисероплетения насчитывает более пяти тысячелетий. Однако техники плетения остались теми же, и даже дети способны создавать несложные поделки из бисера.

Бисероплетение для детей: а нужно ли это? Возможно, многие считают, что подобное приобщение школьников к декоративно - прикладному искусству, в частности к бисероплетению целесообразно лишь в художественных центрах, где есть условия для настоящей профессиональной подготовки. Опыт показывает, что это не так. Дело в том, что помимо красоты, это довольно - таки полезное во всех отношениях искусство. В процессе бисероплетения у детей развивается вкус, фантазия и творческие способности. Ребенок учится основам счета, что актуально для дошкольников. Развивается мелкая моторика и точность движений, что нелишне в любом случае. Доказано, что развитие мелкой моторики способствует развитию памяти, внимания и мышления, что также пригодится. Сделанное своими руками украшение ценится больше, чем покупное. Наличие самодельных оригинальных украшений способно поднять самооценку неуверенному в себе ребенку и помочь ему занять свое место в коллективе. Бисероплетение помогает детям выражать свои эмоции.

Занятия по бисероплетению проводятся в группах и дают возможность общения со сверстниками, одновременно получая удовольствие от процесса работы с бисером.

Приобщение детей к декоративно - прикладному искусству, к овладению его приемами, вовсе не означает, что все ребята в дальнейшем будут работать в художественном направлении. Эстетическая значимость связана с самим процессом изготовления красивых, нужных и полезных вещей. Умение создавать их на первых порах гораздо важнее для общего художественного развития ребят, воспитания в них здорового нравственного начала, уважения к труду, познания даже в какой-то мере самого себя, развития художественного вкуса.

Декоративное искусство , род пластических искусств, произведения которого наряду с архитектурой художественно формируют окружающую человека материальную среду и вносят в неё эстетическое идейно-образное начало.

Включает различные искусства, служащие для украшения произведений архитектуры и садово-паркового искусства (монументально-декоративное искусство), создающие художественные предметы для общественного и частного быта (декоративно-прикладное искусство), художественно оформляющие празднества, зрелища, экспозиции и т. д. (оформительское искусство).

Декоративно-прикладное искусство

(от лат. decoro - украшаю) - раздел изобразительного искусства, охватывающий создание художественных изделий , имеющих утилитарное и художественное назначение. Собирательный термин, условно объединяет два обширных рода искусств: декоративное и прикладное. В отличие от произведений изящного искусства, предназначенных для эстетического наслаждения и относящихся к чистому искусству, многочисленные проявления декоративно-прикладного творчества могут иметь практическое употребление в повседневной жизни.

Произведения декоративно-прикладного искусства составляют часть предметной среды, окружающей человека, и эстетически ее обогащают.

Произведения декоративно-прикладного искусства отвечают нескольким требованиям: обладают эстетическим качеством; рассчитаны на художественный эффект; служат для . Такими произведениями являются: одежда, плательные и декоративные ткани, ковры, мебель, художественное стекло, фарфор, фаянс, ювелирные и другие художественные изделия. В научной литературе со второй половины XIX века утвердилась классификация отраслей декоративно-прикладного искусства по материалу (металл, керамика, текстиль, дерево), по технике обработки материала (резьба, роспись, набойка, литьё, чеканка, интарсия и т. д.) и по функциональным признакам использования предмета (мебель, посуда, игрушки). Эта классификация обусловлена важной ролью конструктивно-технологического начала в декоративно-прикладном искусстве и его непосредственной связью с производством.

Возникнув в глубокой древности, декоративно-прикладное искусство стало одной из важнейших областей народного творчества. Его история связана с художественным ремеслом, художественной промышленностью, с деятельностью профессиональных художников и народных мастеров, а с начала XX века - с художественным конструированием и дизайном.

История развития декоративного искусства

Декоративно-прикладное искусство существовало уже на ранней стадии развития человеческого общества и на протяжении многих веков являлось важнейшей, а для ряда племён и народностей основной областью художественного творчества. Древнейшим произведениям декоративно-прикладного искусства свойственны исключительная содержательность образов, внимание к эстетике материала, к рациональному построению . В традиционном народном творчестве эта тенденция удержалась вплоть до наших дней.

Человек издавна стремился украсить свое жилище и все, с чем ему приходилось сталкиваться в быту. При изготовлении любой вещи народный мастер думал не только о ее практическом назначении, но и о красоте. Из самых простых материалов - дерева, металла, камня, глины - создавал он истинные произведения искусства, передававшие поэтическое представление мастера об окружающем мире.

В народном искусстве всегда находила свое отражение родная природа. Знакомые каждому с детства травы и цветы, изображения птиц и зверей, неба и солнца, земли и воды, преображенные фантазией художника, превращались в изделии в яркий, выразительный орнамент.

С течением времени всё большее значение приобретает интерес к богатству материала и . Выделяются изделия, служащие целям представительности (предметы для культовых ритуалов или придворных церемоний, для убранства домов знати), в которых ради повышения их эмоционального звучания нередко жертвуют бытовой целесообразностью построения формы.

Современные изделия декоративно-прикладного искусства создаются с учетом как народных традиций так с веяниями моды сегодняшнего дня. До сих пор самыми популярными предметами этого искусства, овеянными дымкой старинных традиций, являются изделия из стали и бронзы, ковры, сделанные вручную и украшенные традиционным орнаментом, - в восточных странах; керамика, предметы из морских раковин - в южных; ритуальные маски - в Африке; изделия из янтаря - в прибалтийском регионе; фарфор, перегородчатая эмаль, ткани, расписанные цветами, фруктами, фантастическими животными, - в Китае и Японии, Корее.

Стилизация в декоративно-прикладном искусстве

Декоративно-прикладное искусство имеет свой язык и свои законы. Выражая представление о прекрасном своими специфическими средствами, оно никогда не стремится слепо копировать окружающий мир, а передает только самое характерное и выразительное. Художник творчески перерабатывает формы, найденные в природе, с учетом конкретного материала, его декоративных достоинств и особенностей технологической обработки.

Язык декоративно-прикладного искусства отличается стилизацией или, напротив, необычайной точностью форм; выявлением и обыгрыванием фактуры и пластических свойств материала; использованием орнаментов, включающих как мотивы традиционных изображений, так и авангардные формы. Композиционное построение декора в предметах декоративно-прикладного искусства всегда основано на гармонии частей и целого.

Известна с древнейших времён. Как метод художественного творчества она достигла высокого уровня в ассирийско-вавилонских, персидских, древнеегипетских и древнегреческих орнаментах, в которых наряду с геометрическими линиями и узорами часто использовались стилизованные с высокой художественностью и вкусом объекты флоры и фауны, как реальные, так и вымышленные, и даже фигуры людей. В наши дни орнаментальные композиции с элементами стилизации находят широкое применение в настенных росписях, мозаике, лепных, резных, чеканных и кованых украшениях и изделиях, в вышивке, в расцветке тканей.

Творческая стилизация в изобразительном искусстве обязательно носит индивидуальный характер, подразумевает авторское видение и художественную переработку явлений и объектов окружающей действительности и, как результат, отображение их с элементами новизны.

Наряду с творческой стилизацией существует подражательная стилизация, которая предполагает наличие готового образца для подражания и заключается в подражании стилю той или иной эпохи, известным художественным течениям, стилям и приёмам творчества того или иного народа, стилям знаменитых мастеров. Однако, несмотря на уже имеющийся образец, подражательная стилизация не должна иметь характер прямого копирования. Подражая тому или иному стилю, создатель стилизованного произведения должен стремиться внести в него свою индивидуальность, например, избранным сюжетом, новым видением колорита или общим композиционным решением. Именно степень этой художественной новизны и будет, как правило, во многом определять ценность стилизованного произведения.

При создании изделий декоративно-прикладного искусства наиболее плодотворным является метод творческой стилизации. Более удачным названием этого важного художественного метода могло бы быть не стилизация, а интерпретация, которое более точно передаёт сущность и особенность этого творческого процесса: художник смотрит на объект из окружающей жизни, интерпретирует его и эмоционально передаёт так, как он его чувствует, ощущает. Другими словами, он как бы заново создаёт этот натуральный объект, но уже в виде художественного символа. При этой интерпретации лучше всего следовать творческому принципу триады: «Познать, оценить и улучшить».

Декоративная композиция – это композиция, имеющая высокую степень выразительности и модифицированные, стилизованные или же абстрактные элементы, которые придавая ей декоративный вид, усиливают её чувственное восприятие. Таким образом, главной целью декоративной композиции является достижение ею максимальной выразительности и эмоциональности с частичным или же полным (в беспредметных композициях) отказом от достоверности, которая становится излишней или даже мешающей.

Основные общие черты, возникающие в процессе стилизации у объектов и элементов декоративной композиции, - это простота форм, их обобщённость и символичность, эксцентричность, геометричность, красочность, чувственность.

Декоративной стилизации свойственна обобщённость и символичность изображаемых объектов и форм. Этот художественный метод подразумевает сознательный отказ от полной достоверности изображения и его подробной деталировки. Метод стилизации требует отделить от изображения всё лишнее, второстепенное, мешающее чёткому визуальному восприятию с тем, чтобы обнажить сущность изображаемых объектов, отобразить в них самое главное, привлечь внимание зрителя к скрытой до этого красоте и вызвать у него соответствующие яркие эмоции.

С развитием дизайна в области интерьера возникла необходимость создания произведений декоративно-прикладного искусства, которые без стилизации не будут отвечать современным эстетическим требованиям.

Декоративная и прикладная разновидности декоративно-прикладного искусства

Следует различать декоративную и прикладную разновидности декоративно-прикладного искусства. Так, если предметы прикладного искусства (мебель, утварь, посуда, ювелирные изделия) оказываются художественно-выразительными в основном благодаря эстетическому совершенству своей формы (красота силуэта, пропорций, изящество линий, мастерская обработка материала и т. д.), то декоративным произведениям (роспись стен и бытовых предметов, декоративные скульптурные рельефы, мелкие статуэтки, гобелены, вышивки, ковры, резные украшения и т. д.) присущи изобразительные, сюжетные композиции или орнаментальные украшения.

Для того чтобы изделия не были лишены эстетической ценности, приглашается художник, в функции которого входит не производство продукта в целом, а лишь его украшение: художник стал «прикладывать» свое искусство к готовому продукту. Так, с расширением промышленного производства возникает художественная промышленность, где находит себе место метод прикладного искусства - отделка изделий росписью, резьбой, инкрустацией и т. д. Но красота предмета не только в отделке, хотя и это требует большого искусства. Предмет должен быть выразителен целиком - в своей конструкции, пропорциях и деталях.

В прикладном искусстве форма изделия, его архитектоническая конструкция несет в себе как утилитарную сущность предмета, так и его эстетическую выразительность. В то же время формы изделий прикладного искусства исторически изменчивы: в различные эпохи они характеризуются различием мотивов – роскоши, манерности или, напротив, простоты, естественности. Современная действительность выражает тенденцию к простоте, лаконичности, отказу от излишней детализации, к малогабаритности и экономичности. Художественно оформленные вещи не только украшают повседневную жизнь, но и играют огромную роль и в формировании художественного вкуса.

Много прекрасных образцов декоративно-прикладного искусства можно увидеть в художественных, исторических, этнографических и краеведческих музеях, а также в книгах, альбомах и на страницах журналов. Каждая выставка народного искусства - это всегда открытие мира красоты и совершенства. Изделия, сработанные старыми мастерами и современными художниками, неизменно вызывают восхищение посетителей, а у кого-то появляется желание следовать примеру народных мастеров.

Для того чтобы предмет стал произведением искусства, он должен не только быть обработан «по законам красоты», но и нести в себе определенное идейно-эмоциональное содержание. С этой целью используется должным образом материал, учитывается наиболее целесообразная форма предмета (его пропорции, ритмические повторы, тектонический строй), приобретает особое значение соотношение масштабов между отдельными частями предмета и человека, применяется особый способ обработки поверхности предмета – декор. Поэтому , создающего красивые вещи, представляет собой существенное проявление предметной деятельности, несущей глубокую эстетическую выразительность. Впечатление, производимое прикладным искусством, нередко может быть таким же сильным, как и воздействие живописного или скульптурного произведения.

В отличие от безликих изделий массового производства, вещи, сделанные своими руками, всегда уникальны. Мастерски изготовленные домашняя утварь, мебель, элементы интерьера стоят дорого. И если в старину такие вещи представляли собой предметы утилитарного назначения, то в наши дни они перешли в разряд искусства. Красивая вещь, сделанная умелым мастером, всегда будет в цене.

Прилив художественных сил в прикладное искусство

Ремесленные приемы работы

В Западной Европе положение художника стало меняться в XVI веке. Упадок городского хозяйства, охвативший почти всю Западную Европу, повлек за собой кризис в художественной жизни. В Италии художественные цехи теряют свое былое значение. Действительно, какова могла быть реальная сила цеха, если существовали такие независимые люди, как Микеланджело или Тициан? В одних городах цехи подчиняются государственной власти, в других - ликвидируются вовсе, и художники оказываются без привычной сословной поддержки, предоставленные сами себе. Часть из них превращается в деклассированный элемент, своего рода предшественников богемы. Часть пытается найти пристанище при дворах и становится челядью вельмож. Широко распространяется стремление добиться придворных чинов и дворянского титула.

Следствием тяжелого положения изобразительных искусств, создавшегося в связи с распространением Реформации, оказался прилив художественных сил в прикладное искусство: расцвели ювелирное искусство, серебряное и столярное дело, изготовление глиняной и оловянной посуды и т. п. Зачастую (роскошно оформленные часы, навигационные приборы, оружие и доспехи). Характерной чертой XVI века в североевропейских странах становится подчинение мастеров изобразительных искусств прикладникам: рисовальщики и граверы изготовляют специальные орнаментальные образцы, скульпторы делают модели для украшения мебели, приборов, посуды. Распространяются ремесленные приемы работы: тиражирование скульптурных образцов, использование техники офорта в гравюре ради ускорения обработки медной доски и др.

класс (от 6 до 10 лет), 2 класс (от 11 до 14 лет)

Каждый человек в своей душе является художником. Однако профессии художника необходимо учиться, чтобы средствами изобразительного искусства уметь выражать свои мысли, точнее и тоньше видеть образы окружающего мира.

Для того чтобы стать художником, необходимы профессиональные знания и практическая подготовка. Ведь, не владея материалами, не умея изображать объем и пространство, нужное состояние природы, невозможно передавать свои замыслы. Обучение изобразительному и декоративно-прикладному искусству – процесс сложный и интересный. Он связан с развитием любви к окружающему миру, способности видеть красивое, образно воспринимать действительность. Он воспитывает такие чувства, как чувство пропорций, формы, цвета, пространства.

Одного таланта недостаточно, чтобы заниматься искусством. Искусству нужно учиться. Эффективность вашей учебы будет зависеть не только от педагогического мастерства преподавателя, материальной и методической базы учебного заведения. Чтобы понять задачи творчества, освоить выразительные средства, существующие в изобразительном искусстве, требуются желание, упорство и трудолюбие.

Мы живем в окружении самых разных предметов, встречаемся с ними и дома, и на улице.

Искусство любой сферы организует общение людей, строит их отношения, привносит в жизнь общества определенный смысл и порядок.

Изобрази́тельное иску́сство (искусство запечатления образов) - раздел пластических искусств, вид художественного творчества, целью которого является воспроизведение окружающего мира. Понятие объединяет различные виды живописи, графики и скульптуры.

Для изобразительного искусства характерны произведения, эстетическая ценность и образность которых воспринимается чисто зрительно. Произведения изобразительного искусства могут быть беспредметны и даже нематериальны, (заставка на экране, гарнитура книжного шрифта), но, независимо от материальности и предметности, типичные произведения изобразительного искусства обладают чертами объекта (ограниченностью в пространстве, стабильностью во времени). Изобразительное искусство либо создаёт самостоятельные объекты, не имеющие утилитарной ценности (скульптура, живопись, графика, фотоискусство), либо эс–тетически организует объекты утилитарного назначения и информационные массивы (декоративно-прикладное искусство, дизайн). Изобразительное искусство активно влияет на восприятие предметного окружения и виртуальной реальности.

Изобразительное искусство делится на виды:

Скульпту́ра (лат. sculptura, от sculpo - вырезаю, высекаю) - вид изобразительного искусства, произведения которого имеют объёмную форму и выполняются из твёрдых или пластических материалов. В широком значении слова - искусство создавать из глины, воска, камня, металла, дерева, кости и других материалов изображение человека, животных и других предметов природы в осязательных, телесных их формах.

Жи́вопись - вид изобразительного искусства, связанный с передачей зрительных образов посредством нанесения красок на жёсткую или гибкую поверхность.

Существует пять видов живописи: станковая, монументальная, декоративная, театрально-декоративная, миниатюрная. К станковой живописи относят произведения, существующие независимо от места создания. В основном это картины, созданные на мольберте (то есть на станке) художника. В станковой живописи преобладают работы, выполненные масляными красками, но могут использоваться и другие красители (темпера, акриловые краски и т. д.). Картины пишутся в основном на холсте, натянутом на раму или наклеенном на картон. В прошлом широко применялись деревянные доски, могут использоваться любые плоские материалы.

Монументальная живопись выполняется непосредственно на стенах и потолках зданий и других сооружений. В прошлом преобладала живопись водными красками по сырой штукатурке (фреска ). В Италии до начала XVI века по высохшей «чистой фреске» практиковалась прописка деталей темперой. Техника «чистой фрески» требует особого мастерства от художника, поэтому применялись и другие технологии, например, не такая устойчивая живопись по сухой штукатурке - секко , позднее росписи выполнялись мало подходящими для монументальной живописи масляными красками.

Декоративная живопись - (от латинского слова от decoro - украшать) это способ рисования и нанесения изображений на предметы и детали интерьера, стены, мебель и другие декоративные предметы. Относится к декоративно-прикладному искусству.

Данный вид используется для грима, бутафорий, украшения костюмов и декораций, помогающих раскрыть сюжет спектакля. Костюмы, грим и декорации выполняются по эскизам художника, который стремится передать стиль эпохи, социальное положение и персональный характер персонажей.

Миниатюра (от лат. minium - красные краски, применявшиеся в оформлении рукописных книг) - в изобразительном искусстве живописные, скульптурные и графические произведения малых форм, а также искусство их создания.

Миниатюрная живопись распространена также на востоке. В Индии во времена империи Великих Моголов получила распространение раджастханская миниатюра. Она явилась синтезом совместного творчества индийских и персидских мастеров.

Цветные изображения на бумаге (акварель, гуашь, пастель и др.) формально (например, по месту в коллекции) относят к графике, но эти произведения часто рассматриваются и как живописные. Все другие способы цветного изображения относятся к графике, в том числе и изображения, созданные с помощью компьютерных технологий.

Наиболее распространены произведения живописи, выполненные на плоских или почти плоских поверхностях, таких как натянутый на подрамник холст, дерево, полотно, обработанные поверхности стен и т. д.

Графи́ка (др.-греч. γρᾰφικός - письменный, от др.-греч. γράφω - записывать, писать) - вид изобразительного искусства, использующий в качестве основных изобразительных средств линии, штрихи, пятна и точки. Цвет также может применяться, но, в отличие от живописи, здесь он традиционно играет вспомогательную роль. В современной графике цвет может быть не менее важен, чем в живописи. Кроме контурной линии, в графическом искусстве широко используются штрих и пятно, также контрастирующие с белой (а в иных случаях также цветной, чёрной, или реже - фактурной) поверхностью бумаги - главной основой для графических работ. Сочетанием тех же средств могут создаваться тональные нюансы.

Фотоискусство - искусство создания художественной фотографии. То есть фотографии, отражающей творческое видение фотографа как художника.

Для фотоискусства характерно значительное разнообразие технических средств и богатство изобразительного языка. Фотоискусство противопоставляется фотожурналистике, целью которой является констатация фактов, и коммерческой фотографии, которая используется для рекламы товаров и услуг.

Архитекту́ра, или зо́дчество - искусство и наука строить, проектировать здания и сооружения (включая их комплексы), а также сама совокупность зданий и сооружений, создающих пространственную среду для жизни и деятельности человека. Архитектура непременно создает материально организованную среду, необходимую людям для их жизни и деятельности, в соответствии с их устремлениями, а также современными техническими возможностями и эстетическими воззрениями. В архитектуре взаимосвязаны функциональные (назначение, польза), технические (прочность, долговечность) и эстетические (красота) свойства объектов.

Декоративно-прикладное искусство (от лат. deco - украшаю) - широкий раздел изобразительного искусства, который охватывает различные отрасли творческой деятельности, направленной на создание художественных изделий с утилитарными и художественными функциями. Собирательный термин, условно объединяет два обширных рода искусств: декоративное и прикладное . В отличие от произведений изящного искусства, предназначенных для эстетического наслаждения и относящихся к чистому искусству, многочисленные проявления декоративно-прикладного творчества могут иметь практическое употребление в повседневной жизни.

Произведения декоративно-прикладного искусства отвечают нескольким характеристикам: обладают эстетическим качеством; рассчитаны на художественный эффект; служат для оформления быта и интерьера. Такими произведениями являются: одежда, плательные и декоративные ткани, ковры, мебель, художественное стекло, фарфор, фаянс, ювелирные и другие художественные изделия.

В академической литературе со второй половины XIX века утвердилась классификация отраслей декоративно-прикладного искусства по материалу (металл, керамика, текстиль, дерево), по технике выполнения (резьба, роспись, вышивка, набойка, литьё, чеканка, интарсия и т. д.) и по функциональным признакам использования предмета (мебель, игрушки). Эта классификация обусловлена важной ролью конструктивно-технологического начала в декоративно-прикладном искусстве и его непосредственной связью с производством.

Диза́йн (от англ. design - проектировать, чертить, задумать, а также проект, план, рисунок) - деятельность по проектированию эстетических свойств промышленных изделий («художественное конструирование»), а также результат этой деятельности (например, в таких словосочетаниях, как «дизайн автомобиля»).

Считается, что в более широком смысле дизайн призван не только к художественному конструированию, но должен участвовать в решении более широких социально-технических проблем функционирования производства, потребления, существования людей в предметной среде, путём рационального построения её визуальных и функциональных свойств.

Теоретической основой дизайна является техническая эстетика.

Термин «промышленный дизайн» был утверждён решением первой генеральной ассамблеи ICSID (International Council of Societies of Industrial Design, Международного совета организаций промышленного дизайна) в 1959 году; термин «дизайн» является профессиональным сокращением термина «промышленный дизайн».

Дизайнер - художник-конструктор, человек, занимающийся художественно-технической деятельностью в разных отраслях (в том числе архитектор, проектировщик, иллюстратор, дизайнер плакатной и прочей рекламной графики, веб-дизайнер).

Под словом «design» англоязычная литература начала XXI века понимает и стиль, и проект, и проектирование, и собственно «дизайн» - профессиональную деятельность, наряду с архитектурой или инженерным проектированием (англ. engineering design).

Цифрова́я жи́вопись - создание электронных изображений, осуществляемое не путём рендеринга компьютерных моделей, а за счёт использования человеком компьютерных имитаций традиционных инструментов художника.

Ре́ндеринг (англ. rendering - «визуализация») - термин в компьютерной графике, обозначающий процесс получения изображения по модели с помощью компьютерной программы.

Создание рисунка/картины от начала и до конца на компьютере - относительно новое направление в изобразительном искусстве. Точную дату создания первого компьютерного рисунка устанавливать нет смысла; однако примерная дата широкого появления впечатляющих и красочных работ, выполненных на ПК - 1995-1996 годы (на эту дату приходится появление и широкое распространение относительно доступных по цене SVGA-мониторов и видеокарт, способных отображать 16,7 млн цветов). Компьютер в цифровой живописи - это такой же инструмент, как и кисть с мольбертом. Для того чтобы хорошо рисовать на компьютере, также необходимо знать и уметь применять все накопленные поколениями художников знания и опыт (законы перспективы, теория цвета, блики, рефлексы и т. д.).

Использование цифровых технологий в фотографии породило также гибридные технологии (например, фотоимпрессионизм).

Гибридные технологии применяются и в изобразительном искусстве (помимо косметического исправления или улучшения ручного оригинала). Два основных направления: сначала делается ручное изображение, которое не доводится до завершения (в основном ограничиваются рисунком), а завершается работа в компьютере; модификация завершенного ручного изображения с помощью компьютерного редактора. В последнем случае диапазон глубины обработки очень широк: от изменения только настроя (через цветовую гамму) через модификацию образа до полного изменения исходного образа - до неузнаваемости.

Материалы изобразительно искусства:

Карандаши;

Тушь/перо;

Предметы быта;

Фотопленка;

Компьютерная графика.

Похожая информация.

В наше время разные виды творчества и декора находится на пике моды. И это неудивительно. У человека всегда была потребность в создании чего-либо, творчестве и самовыражении. У современных людей отпала необходимость самим шить одежду, мастерить посуду и предметы быта. Но, так или иначе, часто хочется придать обычным вещам индивидуальность. В этом как раз может помочь декор или декоративно-прикладное искусство .

Произведениями декоративно-прикладного искусства могут быть: предметы интерьера, мебель, посуда, одежда, бижутерия. Издревле данный вид искусства шёл рядом с бытом человека, отражая его представления о мире и красоте. А что же сейчас?

На сегодняшний день существует великое множство видов декоративно-прикладного искусства , самые популярные среди которых:

• Батик — роспись по ткани (шёлку, хлопку, шерсти) специальными красками. Этот вид искусств пришёл к нам из Индии и Индонезии. В наше время особой популярностью пользуются картины на шёлке, расписанные платки, шарфы и галстуки. Благодаря разнообразию техник и материалов каждый может найти в искусстве батика что-то своё.
• Гобелен (шпалера) — это также один из видов декоративно-прикладного искусства. Это ковёр без ворса, вытканный вручную, с изображённым на нём орнаментом или сюжетом. Первые гобелены появились ещё в Древнем Египте, Греции, Китае. В Европе гобелены появились в Средние века и украшали замки, дворцы и храмы. Гобелены ткутся вручную на специальном станке. С механической точки зрения техника создания гобелена очень проста, но требует от мастера немало терпения, мастерства и художественных познаний.
• Керамика — также древнейший вид искусства. В узком смысле слово "керамика" обозначает глину, прошедшую обжиг. С её помощью можно создавать посуду, вазы и другие предметы интерьера. Работа на гончарном круге позволяет отвлечься от повседневных забот, наблюдая как на ваших главах и в ваших руках рождается новый шедевр.
• Вышивка , пожалуй, один из самых известных видов прикладного искусства. Украшением различными орнаментами и изображениями одежды, предметов обихода и отдельных панно женщины занимались с давних времён. Существует множество видов вышивки в зависимости от техник и материалов (вышивка лентами и бисером, крестиком и гладью, по шёлку и грубой канве). А многообразие мотивов и красок никого не оставит равнодушным.
• Вязание (изготовление изделий из непрерывных нитей путём создания из них петель и скрепления между собой) было известно ещё во времена Троянской войны. Кроме того вязаные вещи были обнаружены в Перу и на раскопках поселений древних викингов. В настоящее время различают вязание крючком, спицами и на специальной вязальной машинке. В свою очередь, вязать можно предметы одежды (причём для любого сезона), аксессуары, предметы интерьера.
• Роспись по стеклу также набирает популярность в наши дни. Вдохновлённые средневековыми витражами нынешние мастера создают при помощи специальных красок удивительные по красоте картины на стекле любой формы и назначения (от посуды, до зеркал и стеклянных дверей). Освоить технику росписи по стеклу совсем не сложно и можно даже не уметь рисовать (шаблонами могут быть любые картинки с чёткими контурами).

Здесь перечислены далеко не все виды декоративно-прикладного искусства. Каждый человек может найти себя в творчестве и начать создавать вокруг себя красоту. Чем бы вы ни занимались — вязанием или резьбой по дереву , росписью по стеклу или батиком , валянием из войлока или декупажем , — любой вид творчества придаёт сил и энергии, помогает бороться со стрессом и сделать жизнь ярче.

Если вы хотите освоить новый для себя вид деятельности, но начать знакомство с ним можно с тематических мастер-классов . Это прекрасный способ освоить базовые техники, сориентироваться в материалах и стилях, а также получить заряд энергии и пообщаться с интересными людьми.